Petit Déjeuner

Nella prima metà del secolo scorso si affermò, con grande successo, il fenomeno della trascrizione strumentale di opere o melodie celebri.

Le trascrizioni conobbero , una straordinaria fortuna sia perché esse sfruttavano il successo di opere che si erano imposte ai gusti del pubblico, fungendone da vera e propria cassa di risonanza, sia perché contribuivano a diffondere la conoscenza di una determinata opera lirica o strumentale al di fuori del teatro o delle sale-concerto. Un’ altra importante ragione della grande popolarità della trascrizione strumentale di provenienza operistica, risiede nel trattamento della tecnica e del linguaggio strumentali: un settore, infatti, di questa vasta produzione era rappresentato da brani di esasperato virtuosismo le cui finalità era strettamente correlate alla spettacolarità esecutiva degli interpreti. Non va, infine, assolutamente dimenticato il  ruolo importantissimo che giocò il mondo editoriale nella vita musicale della prima metà dell’Ottocento.  La piccola e media editoria musicale, infatti, trovò in questo insolito repertorio la ragione stessa della sua esistenza. Tuttavia anche case rinomate come quella di Giovanni Ricordi, il cui catalogo del 1857 detiene forse il primato in siffatto genere di letteratura strumentale, non mancarono di sfruttare tale redditizio filone.

Il musicista che forse più di tutti fu al centro di questo particolare fenomeno fu Gioacchino Rossini. L’incredibile successo delle sue opere lasciò tracce indelebili sia nel repertorio strumentale  sia in quello editoriale che ricavò enormi profitti economici proprio con le trascrizioni.

Lo strumento che, in assoluto, nel primo Ottocento fu coinvolto in tale singolare repertorio fu la chitarra.

 La sua gran popolarità, soprattutto fra i ceti medio-alti della borghesia viennese e parigina, si rivelò subito un terreno fertilissimo per le trascrizioni che, infatti, si svilupparono ampiamente radicandosi in innumerevoli direzioni: dal breve pezzo di elementare semplicità ai vertici del più esasperato virtuosismo.

 E numerose erano anche le finalità.

Si facevano trascrizioni per scopi didattici e concertistici; per fare sfoggio di profonda sensibilità musicale o di mero virtuosismo; per venire incontro alle richieste dei tanti amateurs; per ingraziarsi le simpatie di un personaggio importante dedicandogli le variazioni sull’aria favorita. Insomma un autentico coacervo di tendenze i cui risultati furono una produzione editoriale poco meno che sterminata. Nella sola Vienna, dove nei primi lustri del  secolo operarono professionalmente numerosi chitarristi, furono date alle stampe centinaia di trascrizioni.

 La validità di tali operazioni,che risultarono  senz'altro proficue da un punto di vista commerciale, risultò  alquanto dubbia da un punto di vista artistico come ci testimoniano le severe parole che i critici dell’epoca rivolsero ad alcuni trascrittori. Va tuttavia ricordato che non mancarono quelli che esercitavano il proprio mestiere con grande abilità. E’ il caso di due dei  più importanti artisti italiani nella storia della chitarra: Mauro Giuliani (1781-1829) e Ferdinando Carulli (1770-1841).

 Essi apportarono nella scrittura e nella didattica della chitarra un mutamento, per così dire, "rivoluzionario".

Carulli trascrisse opere pianistiche di Mozart, Beethoven, opere sinfoniche riuscendo a riprodurre, nel breve spazio fonico delle due chitarre,sempre fedelmente e con felice intento strumentale l'originale messaggio sonoro.

Nella sua musica emerge un forte senso timbrico di sapore orchestrale, che gli deriva dalla cultura della sua formazione giovanile napoletana e dalla sua consumata pratica di trascrittore sempre fedele all’originale.

Giuliani, spirito nervoso e vivace, nel suo stile risaltano e si fondono perfettamente l'elemento brillante, la solida costruzione e l'ispirata cantabilità. Trascrisse ouverture operistiche con ineccepibile maestria. La sua scrittura sembra persino scarna ed esile, ma la giusta ripartizione sonora tra i due strumenti ne potenzia le risorse.

Luciano Pompilio

 

In the first half of the last century, the phenomenon of the instrumental transcription of works or famous melodies, faced up with huge success.

The transcriptions reached their enormous success whether because they took advantage of a success of works which imposed themselves to the tastes of the public, acting as a real resonance box, or helping in spreading the knowledge of a determinate lyric and instrumental work outside theatres and concert halls. The instrumental opera origin transcription became very popular also because of its use technique and instrumental language: as a matter of fact, a field of this wide production was represented by pieces of exasperated virtuosity whose purpose was strictly correlated to the spectacular performance of the interpreters. It’s not to be forgotten the most important role played by the editorial world in the first half of the 19th century. In fact the small and middle musical book industry found out the reason of its existence in this unusual repertory. Even famous publishing houses, such as Giovanni Ricordi, whose catalogue published in 1857 probably holds the record for such instrumental literature genre, took the greatest possible advantage of this remunerative stream.

Gioacchino Rossini was the musician who marked this particular phenomenon most. The unbelievable success of his works left indelible tracks either in the instrumental repertory or in the editorial one which made big economic profits just with the transcriptions in the first half of 19th century, the guitar was the instrument involved in this particular repertory.

Its great popularity, especially among the middle – upper middle class in Paris and Vienna, soon revealed itself to be a fruitful soil for the transcriptions that, indeed, developed widely taking roots in numerous directions: from the short simple piece to the tops of the most exasperated virtuosity.

There are also numerous aims.

Transcriptions were written for didactic and concert purposes; to show off a deep musical sensitiveness or virtuosity; to meet so many amateurs demands; to get into an important person’s good graces, dedicating the variations on the favourite tune. An authentic accumulation of trends, whose results were an editorial production more or less endless, on the whole. Hundreds of transcriptions were printed just in Vienna, where a lot of guitarists worked professionally in the first lustre of the century.

The validity of such operations, which appeared to be profitable, with no doubt, from a commercial point of view, resulted rather doubtful from an artistic point of view according to the severe comments of the critics of that time to some transcribers. Despite that, it’s known there were also the ones who worked with great capability such as two of the most important Italian guitarists: Mauro Giuliani (1781 – 1829) and Ferdinando Carulli (1770 – 1841). They brought a change, in a way “revolutionary”, in the way of writing and didactics of the guitar.

Carulli transcribed Mozart and Beethoven piano works, symphonic works and succeeded in reproducing the original resonant message, in the short sound space between the two guitars, always with a pleasant instrumental intention.

A strong timbre sense with orchestral taste comes out of his music, which comes from the culture of his Neapolitan Juvenile education and from his perfect transcriber’s  practice always faithful to the original.

Giuliani was a nervous and lively wit the brilliant element, the solid construction and inspired singable element show up in his style and they blend perfectly. He transcribed opera ouvertures with an unexceptionable ability. Despite his writing seems to be even poor and weak, the right sonorous division between the two instruments strengthen the resources.  

 

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